(V)alter ego

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Andrea Tardini Gallery
(V)alter ego
curated by Elisa Fantin
Opening:
Giudecca, Friday 7 April 2017 | 6pm
San Samuele, Saturday 8 April 2017 | 6pm
9 April – 6 June 2017
Venice, Giudecca 282  |  Salizada San Samuele 3157
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In the box 1, 2015, silicone, fiberglass, wood, fishing line, oil colours

Valter Adam Casotto’s hyperrealism in the Giudecca gallery and in the new San Samuele exhibition space. Exclusively at Andrea Tardini Gallery, the works of an emerging artist, winner of the 2016 David di Donatello as “Best Makeup Artist” for “Tale of Tales” directed by Matteo Garrone 

Andrea Tardini Gallery has two reasons to celebrate in April: it will inaugurate the exhibit(V)alter ego, the first solo show by Valter Adam Casotto on Friday 7 April at 6 PM on Giudecca. Then, on Saturday 8 April at 6 PM, the grand opening of the exhibition space on Salizada San Samuele, a veritable “art district” in Venice, that already offers to the public many fine art galleries, design and handicraft shops.

 

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Valter Adam Casotto in his studio, ph. Daniele Rovesi

 

(V)alter ego represents the artistic debut of Valter Adam Casotto, who developed his technique as a famous film prosthetic makeup artist. During this unusual experience lasting more than ten years, he closely studied and learned human anatomy and skin tissue. He can now reproduce it so faithfully that it is hyperrealistic.

Valter Casotto’s artistic research focusses on current topics like the transformation of the identity, both individual and of humanity at large. Valter examines the complexity of the concept of time,  in relation with the non-infinite nature of the human body, which emerges in his considerations as a mortal shell, a boundary. The artist’s work aims tocreate a paradox that seeks to exceed the ordinary sense of time as perceived by society.

 

 

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SANMIGUELJ.Oliver

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COREY HELFORD GALLERY
OKUDA SAN MIGUEL – RICHARD J OLIVER
ART COLLECTOR STARTER KIT
Opening Reception: Saturday, 1. April 2017 | 7- 11pm
Exhibition: 2. April – 29. April 2017
571 S. Anderson St. (Enter on Willow St)
Los Angeles, CA 90033
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COREY HELFORD GALLERY
RICHARD J OLIVER “Immersion”
Opening Reception:
Saturday, 1. April 2017 | 7- 11pm
Exhibition: 2. April – 29. April 2017
571 S. Anderson St. (Enter on Willow St)
Los Angeles, CA 90033
RichardJOliver.01.45.31
COREY HELFORD GALLERY
OKUDA SAN MIGUEL
Opening Reception:
Saturday, 1. April 2017 | 7- 11pm
Exhibition: 2. April – 29. April 2017
571 S. Anderson St. (Enter on Willow St)
Los Angeles, CA 90033
OKUDASANMIGUEL01.44.51
ART COLLECTOR STARTER KIT
12 X 12 INCH WORKS
Opening Reception:
Saturday, 1. April 2017 | 7- 11pm
ARTISTS:
Abigail Goldman, Alex Kiessling, Andrew Brandou, Ben Frost,
Ben Howe, Brandi Milne, Brooks Salzwedel, Bumblebeelovesyou,
Caia Koopman, Camille Rose Garcia, Camilla D’errico,
Carlos Ramos, Chie Yoshii, Darcy Yates, Dosshaus,
Elizabeth Mcgrath, Ewa Pronczuk-Kuziak, Hannah Yata,
Hikari Shimoda,  Hirabayashi  Takahiro, Jana Brike, Peter Hamlin.
Jasmine Becket-Griffith, Joey Remmers, Jon Fox,  Keun Young Park,
Kit Mizeres, Kristen Liu-Wong,  Lori Nelson, Lu Cong,
Uke Chueh, Maika  Kobayashi,  Meredith Marsone, Michael Page,
Miho Hirano, Mikael Takacs, Natalia Fabia, Nigel Cox,
Okuda San Miguel, Peter Hamlin, Sarah Emerson, Sarah Stieber,
Sasha Ira, Sean Powell, Shag (Josh Agle), Stickymonger, Three,
Travis Lampe,  Victor Fota, Vincent Giarrano, Yosuke Ueno,
Young Chun, and Yuka Sakuma
Exhibition: 2. April – 29. April 2017
571 S. Anderson St. (Enter on Willow St)
Los Angeles, CA 90033
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CHG -Corey Helford Gallery – Downtown Los Angeles’

is proud to premiere the new collection from Welsh-born, Los Angeles-based pop surrealist painter Richard J. Oliver.

It’s been two years since Oliver had his last solo exhibition of new works, and the wait is well worth it. This new collection of paintings, entitled “Immersion, is everything that is the best of Oliver — soulful, beautiful, heart-wrenchingly emotional and engaging in a unique and timeless way.

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Regarding his new collection, Oliver shares: “This body of work is an expression of, and a meditation on deep rooted feelings of dissociation, isolation and the difficulties of realizing a union between mind and body. I get trapped seeking meaning and understanding at the expense of becoming unaware of the life-giving source that supports and nourishes me each second. While my attention is on insignificance, I miss the majesty of what is all around and within this existence. As a result, life can sometimes appear devoid of any vibrancy.

The challenge therefore has been to try and express this perplexity of uncertain and unclear ideas into a tangible and communicative expression using color and form, or as Plato puts it ‘render the realm of perfect eternal ideas into its imperfect copy.’

But why? Ultimately my hope is that meditating on interconnectedness and immersion in life will attend to the struggle and ease some suffering. By portraying this paradox of solitude of our human condition, I hope to relate and connect through relationships with others, who are feeling the same smallness and often frightening isolation of this human incarnation.

In each of these paintings I have tried to return to some equanimity. I have used the painting practice as a way to release the struggle by embracing all aspects of experience without judgment. While making the art, I adopted a loving kindness to all the inner feelings of confusion, frustration and limitation, and also an outward expression of compassion to others in the knowledge that they are likely to be experiencing the same difficulties in their lives.”

“My hope is that the paintings evoke the same feelings in the viewer that inspired me to make them and that somehow, in a small way, we can for just a moment not just be ‘on’ this little world, alone and isolated but be together and ‘of’ this nature and vast universe, and with compassion see in each other both beauty and suffering,” Oliver adds.

 

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About Richard J. Oliver:

Richard J Oliver was born and raised in Wales, United Kingdom, studied Fine Art at the University of the West of England and undertook his Masters at UWIC in Wales. In his time between studies, Oliver built his reputation, beginning in Wales and later gaining recognition throughout the UK. His work has been included in numerous European group shows, which then segued into solo shows, including an exhibition at the prestigious Museum of Modern Art in Wales.
Oliver’s early work focused on his homeland, particularly the struggle of its youth trying to find identity in the aftermath of the local mining industry’s demise. His work often showcased the skeleton landscapes of mining villages in the Welsh valleys juxtaposed with contemporary youth. His latest works explore more universal subjects, from environmental issues to humanitarian and social problems that are close to his heart.
Since becoming a parent, Oliver has explored the anxieties of raising a child in an environment on the brink of disaster. The images touch on the tragedy of children forced to survive in an apocalyptic environment and violently fend for themselves. He transforms the natural instincts of fatherhood and family protection into striking visuals. More recently, portraits have crossed into the dark, brooding world of Grimm’s fairytales and surrealistic subjects that help convey the emotion and tragedy of our world’s children. Oliver works closely with many charities, having donating proceeds from his work to DreamLoveCure.org, City of Hope’s Department of Pediatrics, Williams Syndrome association and the Autism Society of Los Angeles.

Oliver currently paints and resides in Los Angeles.

 

 

 

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BIBLIOTHEK

makne

MAK FORUM
BIBLIOTHEK FÜR GESELLSCHAFTSDESIGN
In Kooperation mit der AG Gesellschaftsdesign der
Hochschule für bildende Künste Hamburg
Eröffnung: Dienstag, 25. April 2017 |19 Uhr
Kurator Sebastian Hackenschmidt,
Kustode MAK-Sammlung Möbel und Holzarbeiten
Präsentations: 26. April – 14. Mai 2017
MAK, Stubenring 5, 1010 Wien
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AG Gesellschaftsdesign der Hochschule für bildende Künste Hamburg:
Bibliothek für Gesellschaftsdesign, 2016/17
Anordnung der Lesetische (a) © Julian Bühler, AG Gesellschaftsdesign

Gesprächsrunden zur BIBLIOTHEK FÜR GESELLSCHAFTSDESIGN 

im MAK FORUM:

Dienstag, 25.4.2017 | 19 Uhr

Friedrich von Borries (HFBK Hamburg) im Gespräch mit der Kulturmanagerin Heidemarie Dobner (Globart Academy, Wien), dem Wirtschaftswissenschaftler Wolfgang Spiess-Knafl (Next Generation Impact, Wien) und dem Rechtsanwalt und Stiftungsvorstand Ralf Leinemann (Leinemann-Stiftung für Bildung und Kunst, Hamburg)

****************

Die BIBLIOTHEK FÜR GESELLSCHAFTSDESIGN ist eine temporäre und mobile Institution, die an verschiedenen Orten und in unterschiedlichen Kontexten auftaucht. Im Fokus des Projekts steht die Frage, ob – und wie – Design die Gesellschaft verändert. Für die Premiere der BIBLIOTHEK FÜR GESELLSCHAFTSDESIGN vom 26. April bis 14. Mai 2017 im MAK FORUM gaben 60 DesignerInnen und GesellschaftstheoretikerInnen eine Buchempfehlung zum Thema. Der Bestand von sechzig Büchern wird dabei einem permanenten Wandlungsprozess unterliegen: an jeder Station der Bibliothek werden zusätzliche Bücher empfohlen und vorgestellt.

Zu den unter anderem von Harald Gruendl, Van Bo Le-Mentzel, Fiona Raby, Andreas Reckwitz, Claudia Mareis oder Ezio Manzini ausgewählten Publikationen zählen der Koran, Henry Thoreaus Walden (1854) und Ivan IllichsSelbstbegrenzung (1975), aber auch Spike Lees Design for Obama (2009) und Horst Rittels Thinking Design (2013). Jede Publikation wird mit einer kurzen Biografie der/des Empfehlenden versehen sowie mit einer Erläuterung, warum dieses Buch für die Bibliothek benannt wurde.

Entwickelt wurde die BIBLIOTHEK FÜR GESELLSCHAFTSDESIGN von der AG Gesellschaftsdesign der Hochschule für bildende Künste Hamburg, mit der Idee, dass Studierende und Lehrende über die politische Relevanz und gesellschaftliche Verantwortung von Design nachdenken und Anregungen für die Entwicklung neuer Methoden und Forschungsansätze geben. Im universitären Pilotversuch wurde Studierenden nahegelegt, sich während des Studiums jeden Monat mit einem Buch auseinanderzusetzen.

Teil des Konzepts ist ein fortwährender Diskurs über die Publikationen. Im MAK werden drei Gesprächsrunden mit hochkarätigen VertreterInnen aus Wissenschaft, Kunst und Kultur abgehalten. Nicht nur der Bestand der Bibliothek unterliegt damiteinem permanenten Wandlungsprozess, auch die Auseinandersetzung mit dem Thema Gesellschaftsdesign wird ständig aktualisiert und um neue Impulse bereichert. Die Tauschprozesse und die Diskurse werden ab der Präsentation im MAK auf einer Website dokumentiert.

Die Umsetzung der Bibliothek wird durch die Leinemann-Stiftung für Bildung und Kunst, Hamburg ermöglicht.

Agrot
AG Gesellschaftsdesign der Hochschule für bildende Künste Hamburg:
Bibliothek für Gesellschaftsdesign, 2016/17 Lesetisch, rot
© Julian Bühler, AG Gesellschaftsdesign

 

Gesprächsrunden zur BIBLIOTHEK FÜR GESELLSCHAFTSDESIGN 

im MAK FORUM:

Dienstag, 2.5.2017 | 19 Uhr

Friedrich von Borries (HFBK Hamburg) im Gespräch mit dem Schriftsteller Ilija Trojanow (Wien) und dem Designer Thomas Feichtner (Wien)

Dienstag, 9.5.2017 | 19 Uhr

Sebastian Hackenschmidt (MAK) im Gespräch mit der Ausstellungskuratorin Brigitte Felderer (Universität für angewandte Kunst Wien) und der Volkskundlerin Klara Löffler (Institut für Europäische Ethnologie, Universität Wien)

 

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das-missverstaendnis

volkstheater16-11-44

Volkstheater
Das Missverständnis
von Albert Camus
SO 02. APR 2017 | 19.30 – 21 Uhr
Regie Nikolaus Habjan
Übernahme vom Schauspielhaus Graz
Spiel mit Schauspieler/innen und Puppen
Bühne Jakob Brossmann
Kostüme Denise Heschl
Dramaturgie Heike Müller-Merten
mit Nikolaus Habjan (Martha/Der alte Knecht),
Florian Köhler (Jan/ Der alte Knecht), Seyneb Saleh
(Maria/Die Mutter/ Der alte Knecht)
Neustiftgasse 1, 1070 Wien
http://www.volkstheater.at/stueck/das-missverstaendnis/
VolksDasMissversta8

Das Missverständnis

von Albert Camus
Regie Nikolaus Habjan
Übernahme vom Schauspielhaus Graz
Spiel mit Schauspieler/innen und Puppen
Man kann im Vergessen nicht glücklich sein. Von Unruhe getrieben kehrt Jan zurück in seine Heimat, die er vor zwanzig Jahren verlassen hatte.

Unter falschem Namen mietet er sich in dem von Mutter und Schwester geführten verlassenen Gasthof ein. Zunächst will er die Verhältnisse aus der Deckung beobachten, um empfinden zu können, ob und was ihm Heimat und Familie bedeuten. Aber der Prozess des Erkennens gerät zum kommunikativen Missverständnis. Jan weiß nicht, dass die beiden Frauen ihre Existenz mit Raubmord an Alleinreisenden bestreiten. Längst haben sie alle moralischen Skrupel abgelegt. Gewohnheit beginnt beim zweiten Verbrechen. Und „was man nicht kennt, ist leichter zu töten“. In seinem dreiaktigen Drama, uraufgeführt 1944 im besetzten Paris, behandelt Camus die Frage von Heimat und Exil mit der Wucht einer antiken Schicksalstragödie. Darin setzt er der Vernichtungskraft Europas die Vision einer freien menschlichen Existenz entgegen; Synonym dafür ist das Land am Meer.

Der in Graz geborene und in Wien ansässige Musiktheaterregisseur und Co-Direktor des Schubert Theaters Nikolaus Habjan perfektionierte die Kunst des Puppenspiels bei Neville Tranter. Inzwischen stehen zahlreiche, zum Teil preisgekrönte Inszenierungen von und mit ihm in Wien und anderen österreichischen Städten auf den Spielplänen. Das Missverständnis übersiedelt nach einer erfolgreichen Vorstellungsserie am Schauspielhaus Graz an das Volkstheater.

Seyneb Saleh spielt in Nikolaus Habjans Inszenierung von Albert Camus’ “Das Missverständnis” die Rollen der Mutter und der jungen Ehefrau Maria. Dramaturgin Heike Müller-Merten sprach mit ihr über das Gefühl, in zwei Welten zu leben, das “Mittelmeerische Denken” und ihre Erlebnisse an der serbisch-ungarischen Grenze.

Heike Müller-Merten: Der Autor Camus, der im algerischen Mondovi als Sohn eines französischen Einwanderers und einer spanischen Mutter geboren wurde, war ein Leben lang Wanderer zwischen Nordafrika und Europa. Mit 27 Jahren ging er nach Europa und lebte als Journalist und Schriftsteller in Paris und Lyon. Trotzdem hat er die Einfachheit des ärmlichen Lebens in seiner algerischen Heimat in seinen Schriften verklärt und ihr immer den Vorzug vor Europa gegeben. Europa blieb ihm mit seinem Streben nach materiellen Gütern fremd. Empfindest Du Dich auch aus zwei Welten kommend?

Seyneb Saleh: Ja – wobei ich das nicht immer so wahrgenommen habe. Als Kind war alles noch sehr einfach: Ich lebe in einem Land namens Deutschland und ich spreche zu Hause Deutsch – also bin ich Deutsche. Erst viel später ist mir durch  Reaktionen von außen klar geworden, dass es nicht so einfach ist. Mein irakischer Vater hat zu Hause nie arabisch mit uns gesprochen, aber ich kenne die Sprache durch Fernsehsendungen auf Al Jazeera. Durch meinen Vater, unsere Aufenthalte in arabischen Ländern, im Irak und Marokko und durch die muslimische Erziehung bin ich mit der orientalischen Kultur aufgewachsen. Die Frage ist doch immer: Bezieht man sich auf diese kulturelle Diskrepanz oder sucht man die Gemeinsamkeiten? Wenn ich einen gravierenden Unterschied zwischen Europa und der orientalischen Kultur sehe, dann den, dass in der arabischen Gesellschaft den Menschen etwas zu eigen ist, das ich als Demut bezeichnen würde – vor dem Leben und vor der menschlichen Existenz. Hier versteht man sich als Herrscher über die Dinge. Dort lehnt man sich in gewisser Weise zurück und respektiert die Dinge, wie sie sind.

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Seyneb Saleh, Nikolaus Habjan © http://www.lupispuma.com / Schauspielhaus Graz

Was sehen diese Reaktionen “von außen” aus?

Mitunter wird man jeweils von der anderen Seite vereinnahmt – oder auch abgelehnt. Das empfinde ich als absurd, weil ich mich ja – im Gegensatz zu Camus – in beiden Welten “ganz” fühle. Wenn ich mich in Marokko aufhalte, werde ich gefragt, ob ich nun Muslima sei oder nicht, ob ich faste oder nicht. Andere stellen sofort eine Verbindung her: Ach, du bist ja eine von uns, du bist ja auch Araberin, Irakerin … Umgekehrt werde ich hier in Europa eher als eine junge Frau mit Migrationshintergrund wahrgenommen. Ich sehe auf beiden Seiten etwas Manipulatives, das sich entweder in Vereinnahmung oder in Ausschluss äußert.

Du hast dich vor wenigen Wochen eine Zeit lang an der serbisch-ungarischen Grenze aufgehalten.

Ich bin mit einem Kollegen nach Röszke gefahren. Es ist ein Unterschied, ob man den Menschen am Westbahnhof oder dort begegnet. Hier beginnt zwar das lange Warten, aber sie sind in Sicherheit. Röszke war eine Etappe ihres langen Fluchtweges. In den drei Tagen, in denen ich dort am Zaun stand, sind pro Tag 10.000 Menschen an mir vorbei marschiert. Einen Kilometer vom Zaun entfernt gab es einen Acker mit acht Dixie-Klos, circa 80 Helfer/innen von Organisationen und 30 Freiwillige aus ganz Europa. Das Elend der dort Ankommenden war groß. Einmal kam eine Mutter weinend auf uns zu gelaufen. Sie hatte die Nacht versteckt im Maisfeld verbracht, aus Angst vor dem Militär und der Polizei. Sie hielt ihr Kind im Arm. Es war ganz steif und apathisch. Und dann drückte sie uns dieses steife Kind in die Hände, und wir wussten selber nicht: Ist es jetzt tot?

Konntest du mit deiner Vatersprache Brücken bauen?

Weil ich arabisch kann, habe ich mich an die Grenze gestellt und versucht, den Flüchtenden Informationen zu geben. Viele kamen an und haben ganz verängstigt auf den Zaun gedeutet und gefragt, ob das jetzt schon Europa sei. Wir haben sie begrüßt, erklärt, wo sie hingehen können um sich auszuruhen oder registrieren zu lassen und so weiter. Die Menschen waren zum Teil sehr überrascht, dass auf dem Grenzstreifen zwischen Serbien und Ungarn plötzlich jemand steht, der Arabisch zu ihnen spricht. In den Tagen, an denen ich dort war, bin ich viele Male gesegnet und bedankt worden. Obwohl es körperlich sehr anstrengend war, war ich voller Euphorie. Die Kraft der Leute, ihre Zuversicht, ihre Hoffnung hatten etwas so Ansteckendes.

Camus hat 1952 in einem Interview gesagt: “Von den Küsten Afrikas aus, wo ich geboren wurde, sieht man, wobei die Distanz hilfreich ist, das Gesicht Europas besser, und man weiß, dass es nicht schön ist.” Wie empfindest du das Gesicht Europas heute?

Verzerrt und zerrissen. Die Geflüchteten kommen hierher mit einem fast schon ehrfürchtigen Bild von Europa, im Hinblick auf die Menschenrechte und die Freiheit der Religion. Das ist es ja, wonach sie streben, was sie teilweise auch in ihren Gesellschaften schon etabliert hatten, bis wieder ein Militärputsch oder die nächste Diktatur kam. Dann registrieren sie, dass es hier auch rechtspopulistische Parteien gibt, Leute, die einen beschimpfen oder Asylbewerberunterkünfte in Brand stecken. Das kriegen sie gar nicht zusammen mit ihrem Bild von Europa. Wir als Europäer/innen dürfen uns da nicht herausreden. Wir müssen auch unsere Verantwortung an den Kriegen oder an der Armut in großen Teilen der Welt anerkennen und tragen. Gerade bei diesen Stellvertreterkriegen in der Region Syrien-Irak stehen sich auch westliche Mächte gegenüber und verteidigen ihre geopolitischen Interessen. Das kann man nicht leugnen, das ist auch Teil des Bildes. Die moralischen Werte, die die Flüchtlinge Europa zuschreiben, dürfen auch wir nicht als gegeben voraussetzen. Sie müssen immer wieder erhalten, neu hinterfragt und verteidigt werden.

Albert Camus beschwor besonders in den späten Dreißigerjahren des 20. Jahrhunderts den Gedanken der Mittelmeer-Kultur als Quelle des Glücks gegen das freud- und maßlose Europa. Diese Thesen blieben auch zu seiner Zeit nicht unumstritten, herrschte an den Küsten des Mittelmeeres doch ebenso Unterdrückung und Diktatur. Noch in seinem Hauptwerk Der Mensch in der Revolte (1952) bietet er im entscheidenden Schlusskapitel “Das mittelmeerische Denken” gegen die Kultur Europas auf. Siehst du in dem Begriff “Mittelmeerisches Denken” Alternativen zu heutigen mitteleuropäischen Verhältnissen?

Es wäre sehr zu hoffen, dass wir aus den heutigen Erfahrungen der Griechen oder Italiener, die neben ihren wirtschaftlichen Problemen auch die Flüchtlingsströme jahrelang alleine bewältigen mussten, eine andere Perspektive auf das Europäische gewinnen. Wir Europäer/innen müssen neu definieren, was das Ziel, was die Utopie für die Staatengemeinschaft ist. Ich fände es begrüßenswert, dass man den europäischen Wertekanon überprüft und um Wert- und Lebensvorstellungen ergänzt, die die Länder des Mittelmeeres und des Orients einzubringen haben.

Und nicht jede Wirtschaft dem Diktat mitteleuropäischem Zuschnitts unterwirft, nicht nur materielle Werte und Konsumangebote in die Waagschale legt, sondern auch eine schützenswerte Umwelt, Muße, ein erreichbares Pensionsalter oder eben Schönheit und menschliches Maß – um mit Camus zu sprechen.

Der Bühnenbildner der Produktion Das Missverständnis, Jakob Brossmann, hat einen Film gedreht, der heuer in die Kinos kommt: Lampedusa im Winter. Darin erzählt er, welche übermenschlichen Anstrengungen die Bewohner dieser kleinen Mittelmeerinsel seit Jahren auf sich nehmen, um Flüchtlinge zu bergen, zu retten und zu versorgen. Das sind alles arme Fischer, die selber ums wirtschaftliche Überleben kämpfen. Beschämend.

Das Missverständnis wurde 1944 uraufgeführt. Europa war verwüstet durch den Zweiten Weltkrieg. Die Mutter und die Schwester im Stück repräsentieren gewissermaßen das tote, abgestorbene System. Sie sehnen sich nach dem Meer. Ihnen gegenüber stellt er quasi idealtypisch die Figur der Maria, das freie Wesen aus einem Sonnen-Land jenseits des Meeres. Darin liegt natürlich eine Utopie, denn – abgesehen von den Auswirkungen der Kolonialgeschichte – Algerien war zu dieser Zeit auch kein Freiheitsidyll. Heute wiederum bewegen sich die Menschen aus den kriegsgebeutelten Ländern Nordafrikas oder aus dem arabischen Raum nach Europa, das als Stabilitätsgarant erscheint. Das Missverständnis ist von Camus als überzeitliche Parabel konstruiert. Hat es für dich während der Probearbeit dennoch eine zeitliche Verortung gegeben?

Ich muss ganz ehrlich sagen, dass ich das Stück zu Beginn der Proben noch gar nicht so sehr verbunden habe mit unserer jetzigen Zeit. Das kam eher während der Vorstellungen. Wenn man eine Schlagzeile liest wie “Boot gekentert mit 800 Leuten”, dann bekommt das einen ganz anderen Wiederhall. Wir waren mit dem Missverständnis in Fürth bei einem Gastspiel und ich wusste, wir spielen vor 700 Leuten. Und dann ist mir während des Spiels bewusst geworden, dass so viele Menschen in der Nacht ertrunken waren, wie im Zuschauerraum sitzen. Das erschlägt einen dann.

http://www.volkstheater.at/stueck/das-missverstaendnis/

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DianeArbus

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LÉVY GORVY
DIANE ARBUS In the Park
ICONIC NEW YORK PARK PHOTOGRAPHS
Opening Reception: 2. May 2017 | 6 – 8 PM
exhibition:  May 2 – June 24, 2017
909 Madison Avenue New York, NY 10021

  DianeArbus Diane Arbus Girl and boy, Washington Square Park, N.Y.C. 1965
Copyright The Estate of Diane Arbus

 

 

LÉVY GORVY New York

TO PRESENT SOLO EXHIBITION OF DIANE ARBUS’S ICONIC NEW YORK PARK PHOTOGRAPHS

Diane Arbus: In the Park

May 2–June 24, 2017 Lévy Gorvy

“… I remember one summer I worked a lot in Washington Square Park. It must have been about1966. The park was divided. It has these walks, sort of like a sunburst, and there were these territories staked out. There were young hippie junkies down one row. There were lesbians down another, really tough amazingly hard-core lesbians. And in the middle were winos. They were like the first echelon and the girls who came from the Bronx to become hippies would have to sleep with the winos to get to sit on the other part with the junkie hippies. It was really remarkable. And I found it very scary… There were days I just couldn’t work there and then there were days I could…. I got to know a few of them. I hung around a lot… I was very keen to get close to them, so I had to ask to photograph them.”

– D.A.
New York…Lévy Gorvy is pleased to announce the exhibition Diane Arbus: In the Park, on view in New York beginning May 2. The exhibition will be the first to focus solely on Arbus’s photographs made in Central Park and Washington Square, theaters of public interaction that provided fertile territory for the creation of many of her most striking and original images. All of the works on view were made within four miles of where they will now be exhibited.

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Diane Arbus, Two ladies walking in Central Park, N.Y.C. 1963.
© The Estate of Diane Arbus

 

For Arbus, the city’s parks were arenas of rich and unpredictable encounter. The exhibition will interweave rarely seen photographs, such as A very thin man in Central Park, N. Y .C. 1961, and Couple talking on a path, N. Y .C. 1970, alongside well-known images such as Child with a toy hand grenade in Central Park, N.Y.C. 1962, and Young man and his pregnant wife in W ashington Square Park, N. Y .C. 1965. The majority of these works were the result of a single chance meeting between Arbus and her subjects. Several, including Girl in a beret in Central Park, N.Y.C., 1958, Three girls at a Puerto Rican Festival, N.Y.C. 1962, and Susan Sontag and her son on bench, N.Y.C., 1965 are being exhibited here for the first time.

Arbus began photographing in Central Park in 1956, at the very beginning of her work as a serious artist, and returned repeatedly to the city’s parks over her brief, fifteen-year career. Among the last pictures in the exhibition is A young man and his girlfriend with hot dogs in the park, N.Y.C., made in 1971, the year of her death. The exhibition thus surveys the evolution of Arbus’s style (from smaller to larger negatives, from smaller to larger prints), as well as the evolution of her singular approach to the people she photographed.

About the Artist

Diane Arbus (1923–1971) was one of the most original and influential artists of the twentieth century. She studied photography with Berenice Abbott, Alexey Brodovitch, and Lisette Model, and her first published photographs appeared in Esquire in 1960. In1963 and 1966 she was awarded John Simon Guggenheim Fellowships, and was one of three photographers whose work was the focus of New Documents, John Szarkowski’s landmark exhibition at the Museum of Modern Art in 1967. A year after her death, her work was selected for inclusion in the Venice Biennale—the first work of an American photographer to be so honored. The Museum of Modern Art hosted a major retrospective that traveled throughout the United States and Canada from 1972 to 1975. A larger full scale retrospective, Diane Arbus Revelations, was organized by the San Francisco Museum of Modern Art in 2003 and traveled to museums in the United States and Europe through 2006. A major European retrospective of Arbus’s work opened at

the Jeu de Paume, Paris in October 2011 and traveled to Winterthur, Berlin and Amsterdam through 2013. More recently, Arbus’s early work was the focus of Diane Arbus: In the Beginning, organized by the Metropolitan Museum of Art. Notable monographs on the artist’s work include Diane Arbus (1972); Magazine Work (1984);Untitled (1995); Diane Arbus Revelantions (2003); Diane Arbus: A Chronology (2011), andIn the Beginning (2016).

This exhibition is presented in collaboration with Fraenkel Gallery, San Francisco.

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newmuseummay17

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New Museum New York
“Carol Rama: Antibodies”
PRESS PREVIEW: 2. MAY 2017
Exhibition: April 26–September 10, 2017
Second Floor, 235 Bowery
New York, NY 10002
http://www.newmuseum.org/

CarolRama

“Carol Rama: Antibodies” is the first New York museum survey of the work of Italian artist Carol Rama (b. 1918, Turin, Italy–d. 2015, Turin, Italy) and the largest presentation of her work in the US to date. While Rama has been largely overlooked in contemporary art discourses, her work has proven prescient and influential for many artists working today, attaining cult status and attracting renewed interest in recent years. Rama’s exhibition at the New Museum will bring together over one hundred of her paintings, objects, and works on paper, highlighting her consistent fascination with the representation of the body. Seen together, these works present a rare opportunity to examine the ways in which Rama’s fantastical anatomies opposed the political ideology of her time and continue to speak to ideas of desire, sacrifice, repression, and liberation. “Carol Rama: Antibodies” celebrates the independence and eccentricity of this legendary artist whose work spanned half a century of contemporary art history and anticipated debates on sexuality, gender, and representation. Encompassing her entire career, the exhibition traces the development from her early erotic, harrowing depictions of “bodies without organs” through later works that invoke innards, fluids, and limbs—a miniature theater of cruelty in which metaphors of contagion and madness counteract every accepted norm. The exhibition is curated by Helga Christoffersen, Assistant Curator, and Massimiliano Gioni, Edlis Neeson Artistic Director, and is accompanied by a fully illustrated publication.

New Museum New York
“Lynette Yiadom-Boakye: Under-Song For A Cipher”
PRESS PREVIEW: 2. MAY 2017
Exhibition: May 3 – September 3, 2017
Fourth Floor, 235 Bowery
New York, NY 10002
http://www.newmuseum.org/

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This exhibition brings together a selection of works by British artist Lynette Yiadom-Boakye (b. 1977, London), a 2013 Turner Prize finalist and one of the most renowned painters of her generation. Yiadom-Boakye’s lush oil paintings embrace many of the conventions of historical European portraiture, but expand on that tradition by engaging fictional subjects who often serve as protagonists of the artist’s short stories as well. These imagined figures are almost always black, an attribute Yiadom-Boakye sees as both political and autobiographical, given her own West African heritage. Often immersed in indistinct, monochrome settings, her elegant characters come to life through the artist’s bold brushwork, appearing both cavalier and nonchalant, quotidian and otherworldly. In part because they inhabit neutral spaces, her subjects’ idle, private moments provoke the imagination of viewers and remain open to a range of narratives, memories, and interpretations. This exhibition is curated by Natalie Bell, Assistant Curator, and Massimiliano Gioni, Edlis Neeson Artistic Director, and is accompanied by a fully illustrated publication.

New Museum New York
Kaari Upson: Good thing you are not alone
Exhibition: May 3 – September 10, 2017
Third Floor, 235 Bowery
New York, NY 10002
http://www.newmuseum.org/

KaariUpson

This exhibition marks the first New York museum presentation of work by Los Angeles–based artist Kaari Upson (b. 1972, San Bernardino, CA). Encompassing drawing, painting, sculpture, and video, Upson’s works track open-ended, circuitous narratives that weave elements of fantasy, physical and psychological trauma, and the often-fraught pursuit of an American ideal. A decade ago, Upson immersed herself in what became perhaps her best-known project, which began with her visit to the site of a burned-down house. For the prodigious The Larry Project (2005–ongoing), she unearthed a well of projected histories, images, and artifacts inspired by forgotten fragments from the abandoned personal archive of a man whom she had never met. Upson has continued this near-obsessive forensic approach in subsequent projects such as MMDP (My Mother Drinks Pepsi) (2014–ongoing), a series of videos and sculptures of fossil-like, aluminum-casted Pepsi cans based on the interdependent relationship between herself and her mother, and informed by commodity culture. For her exhibition at the New Museum, Upson will debut a new series of works that center around a family living in a tract house in Las Vegas. The series will explore an environment characterized by its architectural mirroring, yet haunted by the psychological tensions inherent in striving toward an imaginary perfect double. This exhibition is curated by Margot Norton, Associate Curator, and is accompanied by a fully illustrated publication.

New Museum New York
RAGGA NYC
Exhibition: May 3 – June 25, 2017
Curated by Sara O’Keeffe, Assistant Curator
Fifth Floor, 235 Bowery
New York, NY 10002
http://www.newmuseum.org/

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A platform founded by Christopher Udemezue, RAGGA connects a community of queer Caribbean artists working across a wide range of disciplines—including visual art, fashion, and poetry—to explore how race, sexuality, gender, heritage, and history inform their work and their lives. A vibrant community deeply committed to education and grassroots organizing, RAGGA fosters a network and an extended family that makes space for solidarity, celebration, and expression. Their residency will explore Afro-Caribbean diasporic traditions, bringing together works by a group of artists who trace their own relationships to Caribbean history. The exhibition will include sculptures from Renée Stout’s Roots and Charms series, which nod to the hand-painted signs advertising elixirs and spiritual healing on the storefronts of shops in New Orleans and Washington D.C., and to the symbolic objects found within them. Tau Lewis’s foraged, ain’t free series portrays cacti, plants transplanted to radically different climates where they thrive nevertheless, a metaphor for the diasporic condition. Works in Paul Anthony Smith’s Grey Area series layer grainy silkscreened images of male acquaintances Smith encountered while back in his hometown in Jamaica for his aunt’s funeral, alongside images of a cemetery burial ground, suggesting a complex relationship to an island he left as a child.

Taking up Édouard Glissant’s claim that “the language of the Caribbean artist does not originate in the obsession with celebrating his inner self; this inner self is inseparable from the future evolution of his community [in which] he is his own ethnologist, historian, [and] linguist,” RAGGA NYC’s residency will also feature a number of public programs, including workshops exploring Afro-Caribbean spiritual traditions and an evening of performances and poetry by members of RAGGA.

This exhibition is curated by Sara O’Keeffe, Assistant Curator.

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ElaineCameron-Weir

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New Museum
Elaine Cameron-Weir
Exhibition: April 19–September 3, 2017

Curated by Natalie Bell, Assistant Curator.

Lobby Gallery, 235 Bowery
New York, NY 10002
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Elaine Cameron-Weir, a terrestrial sediment melted by hypervelocity impacts from outerspace, most fell on Bohemia, molten, forming strange shapes and solidifying bottle green like the eyes of a gorgon, 2014 (detail). Stainless steel, sterling silver, laboratory clamps, and carved moldovite, dimensions variable. Courtesy Rodolphe Janssen
As a sculptor, Cameron-Weir engages diverse aesthetic styles, merging modern, industrial, and natural designs that emphasize the relationship of the body to surfaces and call attention to phenomena that are both manifest and hidden. Since her earliest works, Cameron-Weir has drawn inspiration from the figure of the aesthete in nineteenth-century Europe as a hallmark of heightened sensory engagement, refined sensitivity to beauty, transgressive sexual desire, and the pursuit of pleasure through artifice or illusion. Aromatic materials and fragrances such as incense are another common feature of Cameron-Weir’s works, and their presence alludes to a history of spiritual, medicinal, or funerary practices, as well as contemporary methods of sensory appeal.

For her exhibition at the New Museum, Cameron-Weir incorporates tools typical of a laboratory to establish a mood of observation and to propose a tension between scientific and occult practices. While her new works evoke a range of associations, they are informed by her study of antiquated scientific texts about vision, medieval armor and torture devices, and early-Renaissance orthopedics—as well as her interest in corporeal symmetry and erogenous zones as aspects of the body forged through human evolution. Cameron-Weir’s installation also draws from the emerging field of sensory archaeology, which questions the privileging of vision in the historical imagination, and aims to enrich speculations about our human ancestors through diverse phenomenological observations.

“Elaine Cameron-Weir” is curated by Natalie Bell, Assistant Curator.

Elaine Cameron-Weir was born in 1985 in Red Deer, Alberta, Canada, and lives and works in New York. She has had solo exhibitions at VENUS, Los Angeles (2016); Andrea Rosen Gallery, New York (2016); Ramiken Crucible, New York (2014); Galerie Rodolphe Janssen, Brussels (2014); White Flag Library, St. Louis, MO (2013); and Desaga, Cologne, Germany (2012). Cameron-Weirhas also been included in group exhibitions at La Biennale de Montréal (2016–17); FUTURA, Prague (2016); GAMeC, Bergamo, Italy (2014–15); and the Philadelphia Museum of Art (2014). Cameron-Weir earned a BFA from the Alberta College of Art and Design and an MFA from New York University.

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New Museum New York City
Listening Party:
Poetry and Record Release for Leave No Trace
Thursday, 20. April 2017 | 7 pm
235 Bowery, New York City 10002
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In celebration of A.K. Burns’ Leave No Trace (2016), this record release party includes performances and readings by artists and writers including Justin Allen, Fia Backström, CAConrad, Katherine Hubbard, and Juliana Huxtable. Leave No Trace is an experimental audio project released as a limited edition vinyl with an accompanying poem. The recording consists of two full-length LP tracks that combine ambient environmental recordings, vocalization, sounds generated from various materials, and an old electric guitar. The title references wilderness ethics, pointing to questions around unregulated spaces, bodies and actions that go unrecorded, and what is natural or naturalized.

A.K. Burns is the artist-in-residence through the Department of Education and Public Engagement’s Spring R&D Season: BODY. In her exhibition and residency “Shabby but Thriving,” A.K. Burns continues a serial work that draws on theater, science fiction, philosophy, and ecological anxieties. The project is organized around five elements: power (the sun), water, land, void, and body. In “Shabby but Thriving,” commissioned by and premiering at the New Museum, Burns presents the project’s next chapter, a two-channel video staged within an installation that explores the subjugation and agency of various bodies.

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New Museum New York City
Seven on Seven
Saturday, 22. April 2017 | 12- 20:30 pm
235 Bowery, New York City 10002
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Seven on Seven pairs seven leading artists with seven visionary technologists, and challenges them to make something new an artwork, a prototype, whatever they imagine.
Seven on Seven 2017 will feature:
Artist Jayson Musson & Jonah Peretti, Founder and CEO, Buzzfeed Artist collective and NEW INC resident DIS & Rachel Haot, Managing Director, 1776 Artist Bunny Rogers & Nozlee Samadzadeh, Engineer, Vox Artist Olia Lialina & Mike Tyka, artificial intelligence
researcher at Google Artist Addie Wagenknecht & Cindy Gallop, Founder, MakeLoveNotPorn and IfWeRanTheWorld Artist Constant Dullaart & Chris Paik, Partner, Thrive Capital Artist Miao Ying & Mehdi Yahyanejad, Founder, Balatarin
and Net Freedom Pioneers

 

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